Kamis, 03 Januari 2013

North Korea: Bringing modern music to Pyongyang

German conductor Alexander Liebreich is one of the few Westerners to visit North Korea several times. On his last trip, with the Munich Chamber Orchestra in November, he was surprised how much the situation has changed.
"Is there anywhere in the city that we shouldn't go?"
It is wise to ask this question early on in a trip to Pyongyang. I put it to our contacts at the German Korean Friendship society, who had helped organise our trip.
"But… is it OK to just walk around Pyongyang, unaccompanied?"
"Of course. Why wouldn't it be?"
I was astonished. Their only recommendation was that we avoid visiting the train station and resist taking photos of military buildings.
I travelled to Pyongyang with my orchestra to give workshops to students at the University of Music and Dance with the ambitious plan of putting on a joint concert after five days.
I had been to North Korea five times but I soon saw that this time everything would be different. Whereas on my previous visits I had been accompanied for much of the time by officials and a translator, now there would be no restrictions on personal communication.
The Pyongyang I discovered was quite different from the city I had last seen in 2006. There were more shops, more people on the streets. Coachloads of Chinese tourists emptied into restaurants and hotel lobbies - our hotel was packed. There was more electricity, a lot of renovation and new architecture.
It all made for a different feeling. Part of me misses the sense of isolation that was so strong on my previous trips to the country. Walking along those huge, empty streets, you would suddenly find yourself in a pocket of silence. Different parts of the city would shut down and wake up with the erratic electricity supply.
I don't much like the idea of North Korea adopting all the annoying stuff we have in Western consumer societies like the advertising and traffic.
But anything that raises living standards must be welcomed. Ordinary people have so little in the way of material goods, heating and electricity.
A new, more relaxed, Pyongyang was revealed to me several times during our trip.
For example, there was the evening the orchestra attended a special reception that had been put on for us at the German embassy.
When we arrived, we saw a crowd of about 60 teachers and officials outside the building who had come along to wish us well. North Koreans, hanging around outside a foreign embassy - this would never have happened a few years ago.
On another occasion, our manager and I went for a stroll at around midnight.
The streets were almost empty, except for three or four boys - about 16 years old - kicking a football about. We joined in.
Ten minutes later, there were about 15 boys playing alongside us - young men who, it seems, no longer felt any compunction to avoid contact with foreigners. After all, we were in quite a public place, with cars driving past. And we had so much fun together - the ball kept getting stuck on a balcony and one of us had to climb up and retrieve it.
We played like that for about two hours and then the street lamps shut off and we were plunged into darkness. We had to go back to the hotel.
When I first visited the country 10 years ago it was impossible to get through a conversation with anyone without at least one reference to the "Dear Leader"- people were so desperate to demonstrate their loyalty. But this time, during the whole week we were there, there was only one mention of any of the leaders - some words of Kim Il-sung that were quoted during our tour of the university, to the effect that great artistry is a product of both talent and education.
His grandson, the new supreme leader Kim Jong-un, is at present conspicuous by his absence in Pyongyang. His father and grandfather continue to stare down from the giant posters across the city, but not him. Perhaps that will change in time.
Still, to begin with my orchestra were quite suspicious of everything around them. Some of them came up to me and said: "Everywhere we go in the city, people watch us. There are people who stand under street lights and pretend to read."
I had to tell them that although it was quite possible that they were attracting the curiosity of the Koreans, it was a city tradition to read and study under street lights. Since ordinary people don't have any electricity in their homes, they don't really have a choice.
In general, the orchestra adjusted quite quickly to the new environment.
They could see the difficulties faced by the city's residents - there is no heating or proper water supply, and the musicians just don't have the materials they need.
And there is this thirst for information which makes the spirit of a conversation quite different. People listen intently and remember everything you're telling them.
The musicians have always connected powerfully with one another, and the ability to interact without constant supervision this time only strengthened that connection.
North Korean musicians are desperate for repertoire. The whole of 20th Century music is unknown territory. So we brought a piece by Witold Lutoslawski, who will be celebrating his 100th birthday next year. And we also brought music from 250 years ago - a Haydn symphony.
The university students copied out their parts from the music through the night on the day of our arrival. This is what they have done on all my previous visits. The music from those visits has now found its way into their curriculum - Tchaikovsky, Brahms, Stravinsky.
When I was in Pyongyang in 2005, there was a particular idea that I was keen to get across to the young conductors I was working with. It was the idea of dialogue in music. I wanted them to understand there were two ways of seeing everything - you might call it active and passive, yin and yang - I call it the idea of symmetry and variation.
For example, when a motif is repeated, it must sound different - it might be strident the first time, and soft and melancholy the second time.
And when you are conducting - well, you have two hands. They must do different things.
I believe that any society that is narrow-minded cannot make sense of that idea, but they could.
When I'm in Japan or in China I often encounter conductors who seek to exercise absolute control over their orchestras, to utterly dominate them. But I have never encountered this tendency in North Korea.
In a gesture that is not typical of professional musicians, in my experience, my orchestra forgot all about the scheduled rehearsal times and made themselves available day and night to the Korean musicians, to help them prepare for the concert.
All the soloists went off with their counterparts in the university orchestra and worked one-on-one or in small groups. They communicated with snatches of English and German, but mostly through the music.
On one occasion we lost our double bassists. We searched the university high and low, and eventually found them in the basement going through their music - it was just fantastic to see how close the contact could be.
The concert was in a wonderful new concert hall. The organisers only had a few days' notice of the programme, but the hall was packed and a TV crew was there. The Korean musicians seemed to be very nervous.
Alongside the Western music, we played two Korean songs alongside musicians using traditional Korean instruments. They have these huge bamboo flutes called taegum, that have a totally different timbre from Western metal flutes. It's a highly personal sound - the personality of the flautist matters a great deal.
When that sound was then overlaid with that of the Western concert orchestra, the impact was overwhelming.
Over the years, I have found that Koreans tend to cry very easily but at that moment I sensed my own orchestra's emotional response.
We also played the Lutoslawski piece, Musique Funebre. This demanding work for strings ends on a moving cello solo. Our cellist knew that there was no way her Korean counterpart could play this music with her shoddy instrument, so before the performance they switched.
It was composed in 1958 but for North Korea it was a premiere. When you play a piece of music for the first time it swells into this huge thing with a new, unstoppable energy to it.
I see my job as a conductor as trying to achieve that sound with every single concert. The feeling I get when I conduct in North Korea is something I try to hang onto after I leave.
Sometimes people ask me: "How can you go to a country with so much poverty and just take a symphony?"
But music is a basic need. The harder life becomes, the more important it is. When all is said and done, culture is about the dialogue between people, about how we should treat one another.
It is something that is all too easy to forget in a European concert hall.
Alexander Liebreich was interviewed on the BBC World Service programme The Forum.

Minggu, 02 Desember 2012

Menelusuri Jejak Pencipta Lagu Indonesia Raya

Wage Rudolf Supratman (lahir di JatinegaraBatavia9 Maret 1903 – meninggal diSurabayaJawa Timur17 Agustus 1938 pada umur 35 tahun[1]) adalah pengarang lagu kebangsaan Indonesia, "Indonesia Raya" dan pahlawan nasional Indonesia.

Ayahnya bernama Senen, sersan di Batalyon VIII dan juga seorang Pendeta.[rujukan?]Saudara Soepratman berjumlah enam, laki satu, lainnya perempuan. Salah satunya bernama Roekijem. Pada tahun 1914, Soepratman ikut Roekijem ke Makassar. Di sana ia disekolahkan dan dibiayai oleh suami Roekijem yang bernama Willem van Eldik.
Soepratman lalu belajar bahasa Belanda di sekolah malam selama tiga tahun, kemudian melanjutkannya ke Normaalschool di Makassar sampai selesai. Ketika berumur 20 tahun, lalu dijadikan guru di Sekolah Angka 2. Dua tahun selanjutnya ia mendapat ijazah Klein Ambtenaar.

Beberapa waktu lamanya ia bekerja pada sebuah perusahaan dagang. Dari Makassar, ia pindah ke Bandung dan bekerja sebagai wartawan di harian Kaoem Moeda dan Kaoem Kita. Pekerjaan itu tetap dilakukannya sewaktu sudah tinggal di Jakarta. Dalam pada itu ia mulai tertarik kepada pergerakan nasional dan banyak bergaul dengan tokoh-tokoh pergerakan. Rasa tidak senang terhadap penjajahan Belanda mulai tumbuh dan akhirnya dituangkan dalam buku Perawan Desa. Buku itu disita dan dilarang beredar oleh pemerintah Belanda.
Soepratman dipindahkan ke kota Sengkang. Di situ tidak lama lalu minta berhenti dan pulang ke Makassar lagi. Roekijem sendiri sangat gemar akan sandiwara dan musik. Banyak karangannya yang dipertunjukkan di mes militer. Selain itu Roekijem juga senang bermain biola, kegemarannya ini yang membuat Soepratman juga senang main musik dan membaca-baca buku musik.
W.R. Soepratman tidak beristri, beragama Kristen Protestan[rujukan?] serta tidak pernah mengangkat anak.
Sewaktu tinggal di Makassar, Soepratman memperoleh pelajaran musik dari kakak iparnya yaitu Willem van Eldik, sehingga pandai bermain biola dan kemudian bisa menggubah lagu. Ketika tinggal di Jakarta, pada suatu kali ia membaca sebuah karangan dalam majalah Timbul. Penulis karangan itu menantang ahli-ahli musik Indonesia untuk menciptakan lagu kebangsaan.
Soepratman tertantang, lalu mulai menggubah lagu. Pada tahun 1924 lahirlah lagu Indonesia Raya, pada waktu itu ia berada di Bandung dan pada usia 21 tahun.
Pada bulan Oktober 1928 di Jakarta dilangsungkan Kongres Pemuda II. Kongres itu melahirkan Sumpah Pemuda. Pada malam penutupan kongres, tanggal 28 Oktober 1928, Soepratman memperdengarkan lagu ciptaannya secara instrumental di depan peserta umum (secara intrumental dengan biola atas saran Soegondo berkaitan dengan kondisi dan situasi pada waktu itu, lihat Sugondo Djojopuspito). Pada saat itulah untuk pertama kalinya lagu Indonesia Raya dikumandangkan di depan umum. Semua yang hadir terpukau mendengarnya. Dengan cepat lagu itu terkenal di kalangan pergerakan nasional. Apabila partai-partai politik mengadakan kongres, maka lagu Indonesia Raya selalu dinyanyikan. Lagu itu merupakan perwujudan rasa persatuan dan kehendak untuk merdeka.

Sesudah Indonesia merdeka, lagu Indonesia Raya dijadikan lagu kebangsaan, lambang persatuan bangsa. Tetapi, pencipta lagu itu, Wage Roedolf Soepratman, tidak sempat menikmati hidup dalam suasana kemerdekaan.
Akibat menciptakan lagu Indonesia Raya, ia selalu diburu oleh polisi Hindia Belanda, sampai jatuh sakit di Surabaya. Karena lagu ciptaannya yang terakhir "Matahari Terbit" pada awal Agustus 1938, ia ditangkap ketika menyiarkan lagu tersebut bersama pandu-pandu di NIROM Jalan Embong MalangSurabaya dan ditahan di penjara Kalisosok, Surabaya. Ia meninggal pada tanggal 17 Agustus1938 karena sakit.

Hari kelahiran Soepratman, 9 Maret, oleh Megawati Soekarnoputri saat menjadi presiden RI, diresmikan sebagai Hari Musik Nasional. Namun tanggal kelahiran ini sebenarnya masih diperdebatkan, karena ada pendapat yang menyatakan Soepratman dilahirkan pada tanggal 19 Maret 1903 di Dukuh Trembelang, Desa SomongariKecamatan KaligesingKabupaten PurworejoJawa Tengah. Pendapat ini – selain didukung keluarga Soepratman – dikuatkan keputusan Pengadilan Negeri Purworejo pada 29 Maret 2007.[2]


  1. ^ Tanggal lahir ini diperdebatkan, lihat bagian Tanggal lahir
  2. ^ Pelurusan Sejarah WR Supratman Harus DilakukanKompas

Kamis, 29 November 2012

… breaks the mould as a violin player, Bali can do that to you

GERMAN, tell it like it is.
My name is German Dmitriev, I am from Russia, 26-years-old; born in Siberia – Krasnoyarsk City. I am married, no children. I have a dog.
Did you come from a musical background?
Yes, my mother is a pianist. My younger sister teaches piano.
At what age did you start playing violin?
When I was six years old.
Did you like playing violin at that age or were you sort of forced into it?
Good question. The truth is I really didn’t take pleasure in music until I was about 15. I studied at beginner’s school and then went on to music college, and then at a music academy for a master’s degree.
During that time were you playing professionally?
Yes, my first big performance was with The Symphony Orchestra when I was nine. I played solo.
Impressive. How did you feel onstage at that age?
I was shaking right down to my toes, but it was a success. I also had my first radio recording at 10.
How do you feel on stage now, you seem to go off into another world?
I feel as if in another time, much faster than the audience.
Your selections of music are so varied, what do you like to play by yourself?
Most of the time I play classical music, but now I like rock music for my show. When I was a boy I dreamed of big bands – I enjoyed rock music so much then that I started to doubt whether I had chosen the right musical instrument. I really enjoyed playing guitar and thought I should be taking lessons, and then I discovered playing rock on violin … fusion.
On that note, do you prefer acoustic opposed to electric?
I prefer acoustic, but need a powerful sound, so I play electric violin onstage. At home I play only acoustic violin, and this is a pleasure for me.
Do you play other instruments?
Yes, I play guitar, piano and drums. I must add, playing on acoustic violin requires way more skills – it’s much more complicated. Also when performing in front of the audience, the technical aspect of an acoustic violin is quite complicated – it’s a living instrument and anything can go wrong. Electric violin gives you the confidence of having control, but the sound is not alive, it’s different.
Who were your influences?
David Garrett, the most famous violinist in the world. I take inspiration from Metallica, heavy metal, and Led Zeppelin, also Pompera. I like emotional extremes.
On stage you have backing soundtracks over which you play solos. Do you record these yourself?
I create with keyboards, guitar and drum machines. When I need it I have professionals to play saxophone, flute and other instruments.
Have you recorded any albums?
Not yet, that’s why I’m here in Bali. My solo career started two years ago, before that I was playing classical music and touring Russia, Europe and Japan. It was the career of a classical musician and I wanted to perform and create on my own.
At what age did you freak out?
That was about four years ago.
Ha ha, right. So what brought you to Bali?
Destiny, really I don’t know, this is a hard question. I guess I reached a point, a certain level where the next logical step was to go to Moscow to try to build a career. Previously I had come to Bali to learn how to surf and I reached a point where I needed a change – climate, culture, environment … Bali is a popular destination for Russians. I think Bali is a very good place for creative people. Back home the climate is very extreme, minus 40 during the winter, not better in the summer, you’re always in furs.
Now that you’re here, do you think you will be going back to Russia in the near future?
I don’t know, I feel maybe something great here, maybe my album, maybe doing fusion with Balinese instrumentation. I think I’ll be here for a couple of years. I have plans to go to Moscow and London, but I want to record here.
How do you find the music scene here?
It’s not that progressive or competitive but in a way it is. I have played with Rio Sidik and Erik Sondhy … both very good.
What is your philosophy?
To do what I’m doing – enjoying life through music. S.B.

Kamis, 15 November 2012

Why Gladwell’s 10,000-hour rule is wrong

There’s no magic number for becoming a world-beater, says science writer David Bradley, just ask the psychologist whose research formed the basis of the popular idea. 

Being exceptional at something is often attributed to one’s genes. Talent is passed down from parents or grandparents it seems, whether it is musical or artistic skill, ability with numbers or being great at juggling. No doubt there are significant genetic factors involved, but there are almost certainly environmental factors in the mix too. Perhaps the two work together, one boosting the other, so that those remarkable genes give rise to remarkable talent only if the skills are suitably nurtured.

However, many people now recognise that talent is learned and earned through extended and intense practice of a skill. No pain, no gain, as they say, in which case genes may have little to do with it.
This idea is encapsulated in a golden rule made popular by the writer Malcolm Gladwell in his book Outliers. This “10,000 hours of practice” rule is based on research by psychologist Anders Ericsson, now at Florida State University. The rule tells us, a mere 10,000 hours of dedicated practice in your particular field is sufficient to bring out the best in you. Is this true? Let’s trace how the rule emerged.

In essence, Ericsson’s theory suggests that sufficient practice in a particular skill can take anyone to a proficiency level equivalent to that of a top classical musician. To illustrate the point, Gladwell focuses on one of Ericsson’s key studies on violinists at Berlin’s Academy of Music. Students had begun playing at around five years of age, all putting in similar practice times, but by age eight, the practice times began to diverge, some practising more than others. By age twenty, the elite performers totalled 10,000 hours of practice each, while the merely good students had totalled 8,000 hours, and the lesser-able performers had just over 4,000 hours of practice.
Ericsson and his colleagues discovered a similar pattern in professional and amateur pianists. By the age of twenty, amateurs had put in 2,000 hours of practice, whereas professionals had done considerably more – reaching 10,000 hours, in fact. “The idea that excellence at performing a complex task requires a critical minimum level of practice surfaces again and again in studies of expertise,” writes Gladwell in Outliers.

Fab formula?

Gladwell points out that all great sportspeople, performers and even computer programmers got in their 10,000 hours of practice in their particular art early in life, allowing them to shine while their less-diligent contemporaries were still grappling with the basics. For instance, he cites the figure of 10,000 hours in connection with the early days of The Beatles when they played almost endless nights in the clubs and bars of Hamburg, Germany, between 1960 and 1964. This opportunity gave them something few musicians had during that era – plenty of time to practice. Ultimately, says Gladwell, this is what made the Fab Four top musicians and songwriters.

He also cites Bill Gates, the co-founder of computer software giant Microsoft, as a great example of the 10,000-hour rule. He had rare access to a computer in 1968 at the age of 13, at a time when most of his school friends in Seattle would have been playing baseball, or dreaming of putting flowers in their hair and heading to San Francisco. Gates spent night times and weekends with friends in the computer room, which gave him a substantial head start in the area of programming, and apparently allowed him to build his company at a much younger age than he might otherwise have been able to.

Many of us imagine that hours and hours spent on our chosen pursuit are somehow edging us towards that target of 10,000. I’ve played guitar since the age of 12, but I don’t imagine that I’m anything but a total amateur – musically speaking – I’ve not put in the dedicated, repetitive practice. Anyone who has heard me strumming might suggest that I plug headphones into my guitar amp and practise for another 10,000 hours before letting anyone ever hear me play again.

One person who might agree is Ericsson, the psychologist on whose research Gladwell apparently based his interpretation of the 10,000-hour rule. Not because he has heard me play, but because this rule is not quite as it may seem.

To notch up 10,000 hours would require about 90 minutes of practice every day for 20 years. This might explain why the typical child learning the piano will never make it to concert level. Three hours a day gets you to that stage within a decade, so start at the age of ten and you’re done before you’re out of your teens.
Unfortunately, the moment the 10,000-hour mark is reached is not a skills tipping point – to use another phrase popularised by Gladwell. Learning and gaining experience are gradual processes; skills evolve slowly, with practice. And there is a vast range of time periods over which different individual reach their own peak of proficiency – their concert level, you might say – in whatever field.

Unattainable goal

Returning to Ericsson’s original study on violinists, they did indeed find that the best of Berlin’s Academy of Music’s best spent significantly more time practicing than lesser-accomplished musicians. But there is nothing magical about the 10,000 figure, as Ericsson said recently, because the best group of musicians had accumulated an average, not a total, of over 10,000 hours by the age of twenty. In the world of classical music it seems that the winners of international competitions are those who have put in something like 25,000 hours of dedicated, solitary practice – that’s three hours of practice every day for more than 20 years.

In fact, one can attain international-level status in less time, especially if the area is less competitive. For instance, Ericsson and colleagues have found that college students could reach a world-class performance for memorising digits after only 500 to 1,000 hours of training.

Ericsson is also on record as emphasising that not just any old practice counts towards the 10,000-hour average. It has to be deliberate, dedicated time spent focusing on improvement. Not all the examples in Gladwell’s book qualify as such deliberate practice: writing computer programs and playing ice-hockey matches, for instance, may not count. It’s not a matter of simply taking part in an activity, Ericsson argues. Sportspeople have other considerations, for instance, there are physical limits on how much dedicated practice is possible.

But the question of whether or not 10,000, or even 25,000 hours of practice is enough does not tell us anything about whether some people are born with a particular talent. We do not yet know whether anyone with strong enough motivation and the spare time could become a virtuoso simply through deliberate practice, year in year out.

Scientifically speaking, 10,000 hours is not a precise figure but shorthand for “lots and lots of dedicated practice”. Even 10,000 hours of dedicated practice may not be enough to give you the skills of a virtuoso. But whether you dream of playing at the concert hall, wielding the guitar, or taking part on the running track, 10,000 hours is a good starting point. Double that and you may even be winning international competitions.

However you look at it, being the best requires a lot of time and effort, and few people are willing to dedicate so much of their lives to a single pursuit. So while practice may get some of us close to perfection, for many of us it is an unattainable goal. That’s no reason not to give it a try, of course. Some day, I might even unplug those headphones once more.

This is an edited extract from Deceived Wisdom: Why What You Thought Was Right Is Wrong, by David Bradley.

Rabu, 23 Juni 2010


Penulis: Slamet A.Sjukur

Dalam film ARTIFICIAL INTELLIGENCE, Spielberg menunjukkan robot-robot yang diprogram lebih manusiawi dari manusia, dan dihancurkan oleh manusia yang kodratnya lengkap (dengan plus dan minusnya). Tapi akhirnya dibela juga oleh manusia lain.
Sementara kurikulum kita selama ini memimpikan anak-anak kita menjadi ROBOT yang cerdas sempurna.

Ada orang-orang pintar berhati mulya yang menganjurkan menjadi manusia seutuhnya, suatu anjuran penuh dengan kesungguhan yang sangat mengharukan, tapi tidak tahu bagaimana menyusun strategi operasional yang diperlukan.
Perkara niat baik, kita tidak berkekurangan, begitu pula jumlah peraturan, apa saja ada, bahkan secara nyata potensi alam Indonesia sangat luar biasa jika dibandingkan dengan yang ada di negara-negara lain,
Tapi mengapa kita miskin, baik lahir maupun batin ?

Menurut dr.H.Taufik Pasiak, M.Pd., konon didalam pameran “Otak-Otak se-Dunia” banyak pengunjung yang tertarik otak Indonesia yang diyakini lebih unggul dari otak Jepang, karena keadaannya masih murni, bersih dan segar, sebab jarang dipakai (1)

Di luar dugaan, ada penemuan mutakhir yang sangat penting, meyakinkan dan membesarkan hati. Meyakinkan karena merupakan hasil dari kerja keras puluhan tahun dua orang yang bermartabat ilmuwan, bukan orang partai atau DPR.

Dalam bukunya yang sudah diterjemahkan ke dalam bahasa Indonesia, Robert Dick-Read akhirnya yakin bahwa yang pertama mengarungi samudra bukan Bartholomeo Diaz (Portugis), bukan Colombus yang kesasar ke benua Amerika, bahkan bukan Cheng Ho (Tingkok). Pada abad-5 manusia-manusia dari Nusantara sudah bisa mencapai Afrika, membuka tambang emas disana, juga menolong India membawakan dagangannya sampai ke Roma (2).

Prof.Arysio Santos, seorang Brasilia pakar geologi dan fisika nuklir, mengusut Atlantis, sebuah benua yang tenggelam yang diceritakan Plato, filosof Junani, dan kitab-kitab suci di seluruh dunia.
Ternyata keberadaan Atlantis betul-betul suatu fakta, bisa dilacak Santos secara ilmiah, dan dikuatkan oleh hasil penelitian NOAA (National Oceanographic and Atmospheric Agency) dan penelitian dari satelit yang di lakukan NASA. Jadi bukan hanya dongeng fantasi seperti yang dikira sebelumnya Atlantis, sebuah benua yang pernah ada dan tenggelam karena bencana alam yang dahsat di jaman prasejarah.

Sekitar 75.000 tahun yang silam, gunung api raksasa (dan ternyata gunung Toba di Sumatra) meletus, menyebabkan tsunami yang menenggelamkan sebuah benua. Dan masih dihantam lagi sekitar 11.600 tahun yang lalu oleh ledakan gunung berapi lain (gunung Krakatau, jauh sebelum ledakannya tahun 1883), yang mengakibatkan berakhirnya zaman es, karena gletser yang sudah berabad-abad itu mencair dan mengakibatkan naiknya permukaan samudra sampai sekitar 130 meter.Benua yang tenggelam itu menyisakan dataran-datarannya yang paling tinggi serta puncak gunung-gunung berapi.

Sisa itulah yang menjadi kepulauan Indonesia. Artinya benua Atlantais itu tidak lain dari bagian yang hilang dari Indonesia!

Artinya pula, Indonesia ternyata tempat lahirnya peradaban dunia. Mereka yang selamat dari katastrof prasejarah tersebut menjauh sampai ke Mesir dan tempat-tempat lain dengan membawa peradabannya (3).

Ini sangat membesarkan hati pada saat kita hampir putus asa melihat semakin merosotnya derajat bangsa kita karena ulah politik yang tidak berwawasan jauh dan akibatnya yang fatal terasa di semua bidang, termasuk pendidikan.

Kalau di awal kemerdekaan kita masih mengenal kejayaan sebagai pembangkit semangat Asia-Afrika, sampai-sampai Malaysia berguru pada kita, sekarang ini di pusat-pusat studi Indonesia di berbagai universitas di seluruh dunia, peminatnya menurun drastis dan bahkan nyaris ditutup. Indonesia sudah tidak punya daya tarik lagi.

Jangankan bagi dunia internasional, anak-anak kita saja tidak ada yang merasa bahagia.

Sistim pendidikan yang sok mencerdaskan bangsa, membuat sekolah terasa lebih sebagai hukuman daripada tempat yang menyenangkan, apalagi inspiratif.

Kurikulum yang begitu padat dan terlalu cerdas, tidak menyisakan waktu sedikitpun bagi anak-anak untuk menikmati ‘kekiniannya’ yang amat sangat tidak ternilai maknanya, dan sekali lewat tidak akan datang kembali, perampasan hak azasi atas waktu. Seluruh tenaga anak-anak diperas habis-habisan demi ‘masa-depan’ yang dibayangkan pembuat kebijaksanaan yang wawasannya sangat sempit.

Untunglah ada seorang Prof.Yohanes Surya PhD., ketua umum Tim Olympiade Fisika Indonesia, yang membuat anak-anak kita tiba-tiba punya rasa percaya diri yang tidak terduga.

Kita membutuhkan orang-orang kreatif seperti dia yang selalu tahu jalan keluar mengatasi situasi yang bagaimanapun. Kalau hanya orang pandai, jumlahnya sudah banyak sekali di antara kita, dan ternyata tidak ada gunyanya, karena kepandaiannya sekadar hafalan atau kalau pun kreatif jurusnya manipulatif dan koruptif, bukan yang bermartabat keilmuan dan kemanusiaan.

Pendidikan kita dari SD sampai perguruan tinggi akhirnya hanya menghasilkan Generasi Hafalan dan Ahli Manipulasi, bukan manusia-manusia kreatif yang punya budi-pekerti.

Dari kenyataan itu kita harus punya kemauan untuk mengutamakan inti masalah : ‘kreativitas yang memulyakan manusia’ dan disamping itu punya keberanian menundukkan ‘peraturan dan prosedur’ agar tahu diri, dan sekaligus memberdayakan manusia.
Ini masalah kesehatan-mental yang selama ini diabaikan sama sekali demi pembangunan yang hanya fisik.

Kita mesti menyadari perlunya segera memperbaiki kesalahan wawasan yang sangat materialistis ini. Hal-hal yang sifatnya non-fisik harus segera mendapat prioritas yang sungguh-sungguh.

Sebagai contoh, di Hungaria, sejak 1948, semua jenjang sekolah diwajibkan mendapat ‘pendidikan musik’. Musik sebagai bagian dari pendidikan bukan sekadar pelajaran, dan dilakukan dalam praktek paduan-suara.

Dengan paduan-suara ditanamkan ‘rasa-kebersamaan’ dan ‘percaya diri’, membina suara berarti pula ‘membina pernafasan’ yang langsung terkait dengan ‘jaringan berbagai saraf’ dan ‘metabolisme’. Pendengaran juga berfungsi sebagai pemasok energi yang diperlukan bagi berfungsinya otak. Musik selain memberi santapan emosional, juga merupakan jalur logika-intuitif yang periferik yang disediakan otak kanan, berbeda dari logika linier yang menjadi ciri otak sebelah kiri.

Pendidikan musik di Indonesia?

Sudah menjadi citra umum bahwa musik tidak lebih dari sekadar hiburan, di ke-imigrasi-an tidak dikenal profesi pemusik, yang diakui hanya ‘penyanyi’, di kalangan musik sendiri ada anggapan bahwa aktivitas musik itu sebatas ‘main musik’, karena mencipta musik itu urusan para jenius, suatu misteri yang tidak dapat diajarkan. Tapi ada biro hak cipta. Karena masalah bisnis, ada untung-rugi, lagi-lagi soal fulus!!

Di samping upaya-upaya non-formal, lembaga-lembaga perguruan tinggi seperti ISI (Institut Seni Indonesia)dan STSI (Sekolah Tinggi Seni Indobnesia) di mana-mana, bahkan UPI (Universitas Pendidikan Indonesia, di Bandung), ikut memerawat musik tradisi sebagai tradisi yang hidup dan terus berkembang.

Lain halnya dengan ‘pelajaran’- musik barat di kursus-kursus, di sekolah-sekolah umum, maupun di ISI, sifatnya masih ‘perkenalan’, belum menukik pada esensinya (kecuali di beberapa sekolah musik partikelir). Masih terlalu jauh untuk dibandingkan dengan apa yang sudah di capai di Jepang, Filipina, Tingkok, Taiwan dan Thailand. Malaysia pun nampaknya tidak lama lagi akan melaju mendahului Indonesia.

Dalam hal penciptaan karya musik, kalau kita hanya mengikuti jalur yang lazim ditempuh di negara-negara Eropah, kita akan terus tertinggal. Padahal itu bukan satu-satunya jalan. Kita bisa langsung menghadapi persoalan musik zaman kita sekarang ini yang juga sedang menjadi perhatian para komponis di mana-mana.

Komponis- komponis itu justru seringkali mendaur ulang unsur-unsur yang sudah lama ada. Sprechgesang yang menjadi salah satu penemuan penting Schoenberg, sudah lama ada dalam tradisi musik drama nô (Jepang), Ligeti mendapat banyak inspirasi dari musik Pygmy di pedalam hutan di Afrika. Kenapa kita harus mengekor?

Secara ‘asongan’ dan sebisanya, saya menempuh jalan sepi yang tidak diminati aliran yang normal. Di sana-sisni saya mengajak orang-orang berbuat musik dengan sikap terbuka dan meninggalkan definisi-definisi yang sudah kadaluwarsa. Tahun 1993 berhasil mendongkrak penduduk terpencil di Trawas (Jawa Timur) membuat karya kolektif yang luar biasa di tengah hutan dan disaksikan orang-orang yang datang khusus dari Surabaya, Malang, Yogya, Bandung dan Jakarta. Tahun 2003, dengan bantuan Jak@rt Festival, mengajak 100 ABG berbuat musik yang sekaligus sangat sederhana dan rumit sekali, instrumennya hanya kentongan dan sebagian besar dari anak-anak pemulung yang tinggal di Bantargebang. Itu hanya dua contoh diantara berbagai upaya lain.

Kepada yang penuh kesungguhan, secara privat saya mengajar piano (lebih pada masalah interpretasi dari hanya teknik), harmoni, kontrapung, instrumentasi, orkestrasi, komposisi dan analisa. Semuanya ditekankan pada praktek, bukan teori. Juga praktek ‘mendengarkan secara aktif’, analisa auditiv dan kemampuan membayangkan bunyi partitur (tanpa pertolongan instrumen apapun).

Sebagai usaha mengimbangi banjirnya pemain (terutama piano), saya memasyarakatkan Pelatihan Kilat Membuat Kopmposisi Musik, seramah kursus-kursus masakan. Waktunya hanya 4 hari berturut-turut, setiap harinya 2 jam, dalam kelompok 3-5 orang, dan tanpa PR. Menjadi komponis sama mudahnya dengan membuat telor mata-sapi.

Peminatnya banyak, dengan latar belakang berbeda-beda, ada yang belum berpengalaman sama sekali, tapi tidak sedikit yang sudah belajar di sekolah musik (dan di luar negeri).

Diutamakan daya-ingat, kemudian baru notasi.
CATATAN TERTULIS membantu mengingat, tapi sekaligus melemahkan kemampuan mengingat.
Diperdengarkan TEPUKAN TANGAN,
berkali-kali-kali-kali dan cepat sekali.
Tidak diberi kesempatan berfikir.
Seorang peserta diminta menirukan, biasanya betul,
sekalipun tidak tahu berapa kali jumlah tepukannya.
Para peserta lainnya diminta menilai betul atau salah,
biasanya merekapun tidak keliru menilai,
sekalipun mereka sendiri juga tidak tahu jumlah tepukannya.
Ternyata tubuh kita punya kecerdasan dan daya ingat
lebih cepat dari ‘kemampuan untuk mengerti’
Secara bergiliran, latihan ini diterapkan pada setiap peserta.

dengan Pergelangan tangan dan Ujung tangan (jari merapat).
P mengetuk dengan arah menjauhi tubuh;
U mengetuk dengan arah mendekati tubuh.
Latihan menirukan dengan dua tangan bergantian.
Cukup lambat P-U-P-U dst// P-U-P-P-U-P-U// U-P-U-P-P-U-P//dsb.
Bergantian: PelatihPeserta (semua bersama-sama).
Latihan setiap peserta bergilir:
-tangan yang satu menirukan yang lain.
-salah satu tangan menirukan yang lain, dengan urutan terbalik.
Latihan P+U+ritme berbeda-beda.
Setiap peserta mendapat giliran.
Latihannya seperti pada no.1 (melakukan/menilai).

Vokal: TIGA KETINGGIAN NADA (tinggi, rendah, tengah)
Ketepatan tingginya, tidak diutamakan.
Diperdengarkan cepat sekali tanpa ritme
‘permainan 3 nada’ yang tidak terlalu panjang.
Latihannya seperti no.1 (melakukan/menilai)

Dipersilahkan mencari cara menulis yang jelas dan cepat.
Baru sesudah itu ditunjukkan:
/=P .=U
posisi ‘titik’ (atas/bawah/tengah) = ketinggian nada.
jarak antara tanda-tanda (rapat/renggang) = ritme.

Diutamakan kreativitas, kemudian baru analisa kritis.

Seorang peserta dipersilahkan bebas membuat komposisi.
Komposisi ritme dengan P+U kedua tangan
Yang lain mendengarkannya dengan perasaan TERLIBAT.
Kemudian dibicarakan bersama.
Dicarikan berbagai solusinya. Tidak ada satu solusi yang mutlak.

Bagaimana membuat lagu IBU KITA KARTINI
menjadi sulit dikenali,
tanpa merubah urutan nada-nada melodinya ?
Masing-masing peserta berusaha melakukannya.
Apa ‘dosa’ lagu BINTANG KECIL ?


Masing-masing berkarya,
bebas (cara+materi bunyi) tapi harus dapat mengulanginya.
Dan disaksikan oleh yang lain dengan PENUH KETERLIBATAN.
a.masalah awal;
b.masalah kelanjutannya;
c.masalah mengakhirinya.
Prinsip PENCOPET: efisyensi waktu+ketepatan saat+selamat.
Selamat = indah.

Ketika saya ajarkan di ISI-Surakarta dan di UPI,
KARYA-SEPENDEK MUNGKIN durasinya tidak boleh lebih dari 12 detik.

oleh dua tangan;

l l l l l l l l l l l l l l l l l l l l l l l l
. . . . . . . . . . . . .. .. . . , . . .. .. ~
. . . . . . . . . . . .. .. . . . . . ~

B E R K A R Y A-2 **)

Masing-masing berkarya dengan prinsip CINTA ABADI:
durasi sepanjang mungkin
tapi tidak boleh ada sesaatpun yang membosankan.
Caranya ?
Dicari dengan rasa dan ketekunan.

Ketika saya ajarkan di ISI-Surakarta dan di UPI,
KARYA SEPANJANG MUNGKIN durasinya minimal 20 menit.

Menjadi komponis sama mudahnya dengan membuat telor mata-sapi. Dan semua tahu bahwa dalam 4 hari tidak mungkin menghasilkan karya seperti THE RITE OF SPRING – Strawinsky.
Yang penting, membangkitkan kembali kecerdasan dan daya-ingat tubuh yang selama ini disingkirkan oleh keangkuhan rasional.

Ilmu dan teknologi yang semakin rumit, merampas kemampuan kita menyentuh ‘kebenaran yang bersahaja’. Bukan salahnya ilmu dan teknologi, melainkan karena ketidak-siapkan kita sendiri memanfaatkan keluar-biasaan yang ditawakannya pada kita

Musik ada di mana-mana, tidak hanya terbatas yang ada di gedung pertunjuklan saja. Angin, gemerisik dedaunan, kicau burung, hujan, petir, kendaraan di jalan, kucing kawin dsb… Tinggal tergantung pada kepedulian dan kepekaan kita saja untuk bisa menangkap semua itu sebagai musik atau tidak.

Musik dalam pengertian yang konvensional pun tidak akan berbicara apa-apa kepada yang tidak punya kepedulian terhadapnya.

Sesungguhnya tidak ada manusia yang tidak tertarik pada musik, menurut Zoltan Kodaly, seorang komponis dan pendidik musik Hungaria.

Kita lebih dulu mendengar, baru kemudian melihat. Di dalam janin, organ pendengaran termasuk yang cepat sempurna. Dengan sarana itu, melalui cairan di sekitarnya, si janin dapat merasakan adanya dunia di luar dirinya. Dan nanti waktu dia sudah menjalani hidup di luar, dan sampai pada saatnya terakhir, ketika tubuhnya sudah tidak berdaya lagi, hanya pendengarannya saja yang masih menghubungkannya dengan dunia yang dikenalnya salama itu, dunia yang sebentar lagi akan ditinggalkan selamanya. Saat menghadapi sekaratul maut, ada tradisi membisikkan pesan yang memberi kekuatan menghadapi alam tanpa dimensi.

Vibrasi yang menjadi unsur utama musik, tidak lepas dari masalah resonan atau simpati, dan bunyi tidak hanya masuk melalui telinga, tapi juga melalui setiap pori-pori kulit dan bergaung di dalam tulang-tulang. Musik juga tidak terpisahkan dari rasa.

Di mana batas antara yang fisik dan non-fisik?
Bunyi yang tidak kasat mata, kalau sudah sampai pada titik ‘sauti-sarmad’, luput dari batasan. Kita hanya terkenang pada ‘hu’yang menjadi awal dan akhir bunyi.

Secara ringkas, sistim pendidikan perlu menekankan:
1.1. yang berkaitan dengan kehidupan sehari-hari di rumah, di jalan, di sekolah dan di mana pun;
1.2. yang berkaitan dengan kehidupan (binatang, tetumbuhan) dan lingkungan;
1.3. yang berkaitan dengan kepercayaan spiritual.

Hubungan fungsional antara geografi, iklim dan komunitas.

Imajinasi sebagai kepedulian.
Kepekaan-rasa di luar jalur logika-linier.

Matematika sebagai sarana menyelami dua dunia—
- yang bisa diukur;
- yang nyaris tidak bisa diukur (seperti Stephen Hawking sudah merancang sikap yang diperlukan dalam menghadapi Aliens,
bahkan Arthur Koestler sudah lebih dulu merasakan fenomen ESP dalam fisika moderen).

5.PENDIDIKAN (bukan sekadar “pelajaran”) PENGETAHUAN KHUSUS
5.4.Hayat; Kimia, Fisika, Geografi. . . . . dsb.

A. Bagaimana kita menjadi bagian penduduk dunia yang setara dan punya jati-diri;
B. Bagaimana punya peran aktif dalam kebersamaan memulyakan

Atau ?
Siapkah kita sekadar menjadi ‘robot super canggih’ ?
Dan mengiranya sebagai penjelmaan ‘manusia Atlantis’ ?

Jakarta, 6 Juni 2010
(1) RAKSASA TIDUR - dr.H.Taufik Pasiak, M.Pd. ; tentang neurologi, jaringan saraf yang berpusat di otak, penerbit Gramedia Pustaka Utama 2004, ISBN 979-22-0711-2.
(2) PENJELAJAH BAHARI - Robert D.-Read, penerbit Mizan 2008, ISBN 978-979-433-506-2.
(3) ATLANTIS – Prof.Dr.Arysio Santos, Pt.Ufuk Press 2010,
ISBN 978-602-8224-62-8.

Buku-buku penting lainnya:
1.Pendidikan Musik,antara harapan dan realitas
Dieter Mack
(UPI/MSPI:2001/ISBN 979-95773-04-06)
Pengamatan di lapangan oleh seorang pakar.
2.Perjalanan Kesenian Indonesia Sejak Kemerdekaan
Philip Yampolsky
(Equinox:2006/ISBN 979-3780-17-7)
Kesaksian dan pengalaman para seniman.
3.Music makes a difference
Ilona Barkóczi + Csaba Pléh
(Zoltán Kodály Pedagogical Institute of Music,
Kecskemét, 1982/ ISBN…..)
Musik sebagai sarana pendidikan yang menyeluruh.
4.Teaching of Polyphony, Harmony, and Form
In Elementary School
Ildikó Herboly-Kocsár
(Zoltán Kodály Pedagogical Institut of Music,
Kesckemét 1984, ISBN 963 01 5727 6)
Pengajaran logika intuitif dengan musik untuk sekolah dasar.
An Eternal Golden Braid
Douglas R.Hofstadter
(Penguin Books, 20th –anniversary edition 2000
ISBN 0-14-028920-8)
Matematik,Grafik, Musik.
6.Dimensi-mistik Musik dan Bunyi
Hazrat Inayat Khan
(Pustaka Sufi:2002/ISBN 979-95978-54-4)
Musik melampaui batas materi.
7.Superlearning 2000
(A Dell Book:1994/ISBN 0-440-22388-1)
Teknik belajar yang tepat dan cepat.
8.Weapons of Chess
Bruce Pandolfini
(Fireside:1989/ISBN 0-671-65972-3)
Berfikir strategis dan taktik
9.Incredible Coincidence-Alan Vaughan
(Ballantine Books:1989/ISBN O-345-35972-0)
Keterkaitan antara hal-hal yang nempaknya kebetulan.
Kisah inspiratif seorang dokter eksentrik.
-Patch Adams M.D.+Maureen Mylander
(Penerbit B-First, 2008/ ISBN 978-979-24-3827-7)
Perlunya memanusiakan kembali kedokteran.

*** * ***



2010 Dengan dukungan Akademi Jakarta dan Dewan Kesenian
Jakarta, bersama para pakar THT, Akustik dan sejumlah
aktivis, mendirikan MASYARAKAT BEBAS-BISING.
2001-06 Dosen Pascasarjana INSTITUT SENI INDONESIA, Surakarta.
2000- ~ Anggota AKADEMI JAKARTA.
1981-83 Dekan Fakultas Musik INSTITUT KESENIAN JAKARTA.
1976-87 Dosen IKJ (Harmoni, Kontrapung, Analisa dan Komposisi).
1962-76 Tinggal di Paris;
Belajar di Conservatoire National Superieur de Musique de Paris
(Chambure dan Messiaen), Ecole Normale de Musique de Paris
(Gentil, Dandelot dan Dutilleux) dan Groupe de Recherches
Musicales O.R.T.F. (Schaeffer).
(berdiri selama 25 tahun s/d 1982 dengan anggota 1300 orang
bangkit kembali sejak 2006- ….).


Dilindungi Badan Hak Cipta Perancis SACEM sejak 1968.
Disimpan di SACEM (Société d’Auteurs, Compositeurs et Editeurs de
la Musique, Paris), CDMC (Centre de Documentation de la Musique Contemporaine, Paris), RTF (Radio et Télévision Française, Paris), ARION (Paris), WERELD OMROEP (Radio Belanda, Hilversum), AMERICAN GAMELAN INSTITUTE (California)

2000: Officier de l’Ordre des Arts et des Letters (Perancis).
1998: Millenium Hall of Fame (American Biographical Institute).
1996: Pioneer of Alternative Music (GATRA magazine, Jakarta).
1983: Médaille Commémoratif Zoltan Kodaly (Hungaria).
1975: Golden Record of Academie Charles Cros (Perancis).

*** * ***

Senin, 14 Juni 2010

Melepas Biola Kesayangan (musical journey 4)

Berlatih biola memang tidak semudah yang kukira. Walau memang tidak sesulit yang kuduga. Intinya latihan rutin.

Sayangnya, karena kerjaan di kantor dan waktu libur yang tidak pasti, aku jadi jarang berlatih dan bertemu teman-teman sehobi. Terutama untuk main ke Taman Suropati, aku hampir tidak ada waktu luang.

Akibatnya, biolaku pun nganggur di rumah sekitar setahunan. Hingga akhirnya biola itu kujual karena aku juga pas ada kebutuhan. Biola itu dibeli kawan dari BAndung untuk anaknya. Anaknya sangat mahir main biola, setela berlatih pada musisi biola bernama Ammy yang punya grup band Empat Peniti. Grup band ini sangat terkenal di Bandung dan sering tampil di berbagai festival musik di sana.

Aku antarkan sendiri biolaku itu pada pembeli di Bandung. Sebenarnya sayang sekali menjual biola kesayangan itu. Tapi sudah terlanjur.

Aku naik kereta Parahyangan menuju Bandung. Turun dari kereta, aku dijemput dengan mobil oleh sang ayah pembeli biola. Aku diantar ke sebuah tempat sekolah biola tempat guru biola itu akan memeriksa biolaku JS Bach. Setelah dipastikan ok, biola pun kulepas.

Hingga sekarang aku masih ingin membeli biola pengganti JS Bach yang kujual. Aku masih menyimpan berbagai partitur dan peralatan lain. Tapi belum juga kesampaian beli biola pengganti karena JS Bach memang tergolong langka.

Kalau udah dapat biola pengganti, aku akan belajar jazz violin. Aliran jazz untuk biola. Aku suka jazz dan ingin menguasai biola untuk bermain musik jazz. Aku pikir ini sangat menarik. (bersambung)

Musik Melatih Ketegasan (musical journey 3)

“Musik itu melatih ketegasan,” ucap Batara, seorang pria paruh abad yang oleh anak-anak Taman Suropati (Tamsur) disebut maestronya biola.

Mmm, dalam hatiku. Aku masih belum paham dengan penjelasan lelaki yang rambut keritingnya dikucir ke belakang itu. Sekilas kulihat, pak Batara itu seperti empu pembuat keris di sinetron-sinetron atau film silat Indonesia. Aku tertawa sendiri, sekaligus kagum.

Pak Batara malam itu duduk di atas kursi besi yang terletak sekitar sepuluh meter dari kolam air mancur yang airnya saat ini tidak muncrat. Sekitar sepuluh lebih anak biola Tamsur mengelilinginya.

“Mengapa aku katakan musik itu melatih ketegasan?” kata Pak Batara, seakan tahu bahwa aku dan anak-anak Tamsur lain sedang mereka jawaban pertanyaan itu di benak kami masing-masing. Semuanya terdiam, menunggu kalimat lanjutan keluar dari mulut beliau.

Sementara pohon-pohon sengon yang usianya sudah ratusan tahun di samping kami pun ikut diam sambil menggugurkan beberapa helai daunnya yang tua. Musim penghujan rupanya penantian panjang bagi pohon yang mulai merangas itu.

“Ketika kalian menggesek biola, kalian harus bisa membuat keputusan dalam sepersekian detik, apakah nada biola itu satu ketuk, setengah ketuk, seperempat ketuk, atau seperenambelas ketuk,” papar beliau sambil tersenyum, tahu bahwa semua orang menunggu penjelasannya.

“Itulah yang kumaksud ketegasan. Seorang pemusik harus tegas memutuskan sepanjang apa nada yang akan dimainkannya, atau senar mana yang harus ditekan dan digesek. Karena itu, musik dapat menempa ketegasan seseorang,” ujar Pak Batara.

Semua yang berada di sana semakin jelas. Itu menjawab klaim yang salah selama ini bahwa musik membuat seorang jadi cengeng atau terlalu melankolis. Justru sebaliknya, musik akan menempa seseorang memiliki jiwa yang tegas, tentu saja, tetap peka.

Aku baru paham makna itu malam ini, saat Pak Batara memberi penjelasan rinci tentang musik. Musical Journey yang kulalui belumlah apa-apa dibandingkan dengan banyak orang lain di dunia ini. Aku mulai paham dengan berbagai filosofi tentang biola, tentang musik, tentang nada, dan terutama tentang persahabatan unik yang aku temukan di Tamsur ini. Mmmm, semuanya indah….

Perbincangan itu terus berlanjut. Sesekali Pak Batara menggesek Cello-nya. Beliau mendendangkan Swan Lake melalui gesekan Cello yang tegas, namun terasa lembut di telinga kami.

Pantas Pak Batara disebut sebagai maestro biola. Ujung jarinya seakan-akan memiliki mata saat menari di antara empat senar biola saat memainku biola Johann Sebastian Bach milikku, yang lebih suka kusebut Lintang itu.

Jari-jari Pak Batara beralih cepat dari satu nada ke nada lain dalam waktu kurang dari satu detik. Dan tentu saja, jangan tanya, seindah apa Movement-nya Johann Sebastian Bach, Four Season-nya Vivaldi atau Beethoven, mengalun memenuhi udara Tamsur malam itu.

Lampu merkuri menemani kami dengan cahayanya yang kekuningan. Beberapa kelelawar tampak terbang, meski aku tahu di sana tidak ada buah-buahan. Mungkin mereka sedang berburu nyamuk atau tertarik dengan getaran resonansi yang dihasilkan gesekan Cello dan biola anak-anak Tamsur. [*]